Чувственность как арт-объект

Эти перформансы возмущали и шокировали, а сегодня стали классикой

Жанр перформанса провокационен и порой раскалывает общество: эстеты восторгаются, а обыватели возмущены и требуют наказать автора. Взять хотя бы акции Петра Павленского, за которые художника несколько раз привлекали к суду. Не только перфомансы с политическим подтекстом, но и художественные эксперименты в сфере сексуальности и телесного контакта вызывают бурную реакцию. Где же грань между извращёнными инстинктами и высоким искусством? Попробуем найти ответ в ретроспективе самых скандальных перформансов за полустолетие.

Телесность 

Мило Муаре: «Зеркальная коробка»

Летом 2016 года Мило Муаре была задержана лондонской полицией во время перформанса «Зеркальная коробка». Художница, которая уже выступила с этой акцией в нескольких городах, появилась на Трафальгарской площади и предложила прохожим дотронуться до ее гениталий, просунув руки в зеркальный ящик, надетый наподобие юбки. Мило объявила, что ее перформанс — это продолжение акции, которая прошла в Кельне после серии изнасилований. С помощью своего выступления девушка привлекла внимание общественности к проблеме обоюдного согласия при половом контакте. Она призвала уважать женщин и всегда помнить, что только они вправе решать, «когда и как кто-либо может до них дотронуться», а когда это недопустимо.

Вали Экспорт: «Тактильное кино»

Почти за полвека до Муаре молодая художница Вали Экспорт вышла на улицы Вены в картонной коробке с занавеской, закрывающей ее обнаженную грудь. Зрителям было объявлено, что этот ящик — кинозал, тело девушки — экран, а привычный просмотр им заменят прикосновения. Используя собственное тело как главное орудие, Вали исследовала проблему сексуальной объективизации. При этом она сама эксплуатировала зрителей, вовлекая их в необычную игру. В 1969 году художница провела новый перформанс, появившись на сеансе в кинотеатре в брюках с дырой, которую вырезала между ног. Она прошлась между рядами, периодически касаясь зрителей. Присутствующие в зале приходили в замешательство, ведь с проявлением женской сексуальности в такой экстравагантной форме многие из них столкнулись впервые.

Боряна Росса: «Деконструкция тактильного кино»
Боряна Росса во время акции «Деконструкция тактильного кино»
Боряна Росса во время акции «Деконструкция тактильного кино»

Идеи Экспорт нашли продолжение в работах акционисток следующей эпохи. Боряна Росса, болгарская художница, победила рак благодаря процедуре мастэктомии (удалению ткани молочных желез) и создала один из самых эффектных перформансов о телесности. В 2013 году Боряна деконструировала акцию Вали Экспорт. Девушка надела на себя ящик с занавеской и предложила всем желающим прикоснуться к ее телу — вот только обнаружить там грудь зрители уже не могли.

Гендер

Джуди Чикаго: «Трилогия рождения»
Участницы перформанса Джуди Чикаго
Участницы перформанса Джуди Чикаго

«Трилогия рождения» (1972) — один из последних перформансов Джуди Чикаго — отдаленно напоминал детскую игру в ручеек. Часть девушек стояли в плотной колонне и изо всех сил «тужились», в то время как другие участницы представления проползали у них между ног, изображая рождающихся детей. «Младенцев» укачивали на руках и пели песни, которые становились все громче и громче, а в конце переходили в иступленный, животный крик. Двадцать участниц перформанса старались погрузить зрителей в состояние, которое испытывает женщина при родах. Джуди часто сетовала, что акционистки почти не обращаются к теме материнства — то ли потому что им не достает опыта, то ли потому, что избегают проблемы гендерной роли, находящейся в плену многочисленных табу.

Елена Ковылина: серия перформансов 
Елена Ковылина ждет нового противника во время перформанса «Бокс»
Елена Ковылина ждет нового противника во время перформанса «Бокс»

В своих представлениях Елена Ковылина не раз касалась темы гендерных стереотипов. Перформанс «Сделай сам» (1999) — иллюстрация покорности, зависимости женщины от решения мужчины. Надев на шею петлю, она вставала на табурет и предлагала представителям сильного пола его выбить. Перформанс «Бокс» (2005 год) был посвящен теме женской слабости. Елена выходила на боксерский ринг и ждала противника, а после — пыталась продержаться на ногах хотя бы несколько раундов. Об эмоциональной неустойчивости рассказывает «Вальс» (2005), во время которого девушка танцевала буквально до потери сознания, выпивая стакан водки после каждого тура, на который она приглашала поначалу заинтригованных, а затем испуганных мужчин.

Отношения

Марина Абрамович и Улай: серия перформансов
Марина Абрамович и Франк Уве Лейсипен ("Улай")
Марина Абрамович и Франк Уве Лейсипен (Улай)

История Абрамович и Улая — яркий пример того, как отношения внутри пары становятся частью перформанса. До знакомства с немецким художником Марина Абрамович пыталась изучить грани собственного тела и психики, но, встретив любимого человека, обратилась к теме духовного слияния мужчины и женщины.

«Отношения в пространстве»
Марина и Улай исполняют перформанс «Отношения в пространстве»
Марина и Улай исполняют перформанс «Отношения в пространстве»

Одна их первых совместных инсталляций Марины и Улая была представлена в Венецианской биеннале в 1976 году. Раздетые художники быстро перемещались по залу, сталкивались, а затем расходились, повторяя это на протяжении нескольких часов. Акционисты пытались объединить энергию обоих полов, чтобы породить нечто третье — существо, которое они окрестили «ThatSelf» («Та сущность»).

«Вдох/выдох»
Перформанс Марина Абрамович и Улая «Вдох/выдох»
Перформанс Марина Абрамович и Улая «Вдох/выдох»

«Вдох/выдох» — перформанс, который пара провела в Амстердаме в 1978 году. Марина и Улай соединили свои рты при помощи специального устройства и дышали выдохами друг друга, пока не кончился кислород. Представление длилось около 15 минут, после чего они оба упали на пол, потеряв сознание. В этом представлении художники пытались показать, что влюбленные могут поддерживают жизнь друг друга, в то же время ее забирая.

«Энергия покоя»
Художники свободно отдаются весу своих тел во время перформанса «Энергия покоя»
Художники свободно отдаются весу своих тел во время перформанса «Энергия покоя»

Перформанс, который состоялся в Дублине в 1980 году, Марина и Улай посвятили теме безграничного доверия между близкими людьми. Они стояли друг напротив друга и не отрывали взгляда. Абрамович держала в руке боевой лук, а Улай — натянутую тетиву и стрелу, которая была направлена в сердце партнерши. Под одеждой у каждого находились устройства, которые фиксировали сердцебиение и транслировали звук на весь зал. Это продолжалось около четырех минут, но для Марины «они стали вечностью».

Насилие

Рудольф Шварцкоглер: «3-я акция»
Рудольф Шварцкоглер во время «3-ей акции»
Рудольф Шварцкоглер во время «3-ей акции»

Почти все эти перформансы проходили в Вене в 60-х и были связаны с экспериментами над телом, попытками контролировать боль и входить в состояние медитации. Рудольф Шварцкоглер примыкал к одной из наиболее радикальных групп австрийских художников и вместе с ними изобретал новые методы ритуального насилия в искусстве перформанса. В своих представлениях он нарушал все мыслимые табу, утверждая, что дает выход инстинктам, которые подавляются обществом послевоенной Европы. Во время «3-ей акции» (1965) он обмотал себя бинтами и делал надрезы, наблюдая, как кровь стекает на кусок металла, который лежал рядом с его головой. Самоистязание для Шварцкоглера — возможность доказать, что власть над телом человека может принадлежать только ему самому.

Марина Абрамович: «Ритм 0»
Марина Абрамович «Ритм 0»
Марина Абрамович «Ритм 0»

Марина Абрамович создала целую серию перформансов под общим названием «Ритм». В 1974 году она на шесть часов была заперта в галерее вместе с публикой. Перед ними были разложены 72 предмета, некоторые символизировали наслаждение (мед, роза, меховое боа), другие — насилие (цепи, нож, ремень) и смерть (пистолет, пуля). На одной из стен висело объявление о том, что все предметы на столе и тело художницы находятся в полном распоряжении публики. Поначалу люди включались в «игру» с осторожностью, но через пару часов становились по-настоящему агрессивны. Одежда Марины была разорвана, ее тело исколото шипами, покрыто ссадинами и порезами, один из зрителей приставил к голове художницы дуло пистолета, но его удалось остановить. Абрамович объяснила, что хотела показать, «насколько быстро человек может вернуться в дикое пещерное состояние, если ему это позволить».

Мнение экспертов

Специально для Hit.media

Александра Старусева-Першеева, магистр изящных искусств, преподаватель НИУ ВШЭ
Александра Старусева-Першеева, магистр изящных искусств, преподаватель НИУ ВШЭ

«Перформанс не должен восприниматься как способ эпатировать публику, этот феномен стал полноправной формой современного искусства. А оно, как известно, склонно к провокационности. Если мы будем рассматривать общество как механизм, то перформанс в нем — та сила, которая может привести его в действие, взбудоражить, а, главное, восстановить нужный баланс».

Редактор раздела «Искусство» сайта Colta Сергей Гуськов
Редактор раздела «Искусство» сайта Colta Сергей Гуськов

«Само появление и распространение акционизма связано прежде всего с тем, что искусство всегда ищет и находит новые, более доступные способы диалога со зрителем».

[socialpoll id=»2420095″]

 

Что еще почитать

«Они так естественно играют безумцев»

Знакомьтесь: Денис Пил, «Стэнли Кубрик» модной фотографии

Фотохудожник  использует нестандартный«кинематографический» подход, словно документируя жизнь своих героинь и создавая из каждого кадра историю. Его модели не выглядят наигранно, у них естественные позы, в выражениях лиц нет фальши, статичности. Фотограф любит снимать моделей в неподходящие моменты: когда они готовятся к съемкам или просто дурачатся, чувствуя себя свободно. Фотографии Дениса Пила неоднозначны, нельзя разгадать их смысл с первого раза, они заставляют задуматься над тем, что было до этого кадра и что будет после, порождая всё новые вопросы.

Денис Пил на открытии персональной выставки «Стоп-кадр. Модная фотография»
Денис Пил во время паблик-тока в Центре фотографии имени братьев Люмьер
Денис Пил во время паблик-тока в Центре фотографии имени братьев Люмьер

«В чем секрет хороших кадров? Мы с моделью должны чувствовать и понимать друг друга, то есть в процессе возникает погружение в историю, которую я хочу рассказать, она прислушивается к моей идее, следит за ходом моих мыслей и, конечно, может их изменять, это даже придает некий шарм фотографии. Вот так выглядят мои идеальные съемки. Такие отношения для фотографа чрезвычайно важны».

«Я никогда не создаю четкий, детализированный сценарий, не прописываю его, не раздаю конкретные роли моделям, я просто держу идею в голове и уже походу решаю, как его реализовать, что изменить, что добавить, это долгий процесс создания истории. Именно поэтому мои фотографии не получаются замороженными и статичными, в них полно жизни и эмоций».

«В съемке меня интересуют только кинематографичные моменты, мне не нравятся стандартные, пускай и красивые, позы, не нравятся статичные кадры, я пытаюсь поймать что-то реальное, живое, историю, за которой скрывается какой-то вопрос, загадка, которую невозможно решить с первой попытки, в ней заложена идея, над которой нужно поломать голову».

«Мне кажется, что каждый творец должен каждый раз влюбляться в свою модель, находить в ней что-то неординарное и неповторимое, восхищаться ее характером, внешностью, позволить себе быть очарованным ей. Я так всегда делаю».

Денис Пил специально для Hit.Media

«Моя любимая серия работ: девушка в длинном вечернем платье с воланами прогуливается по тенистым аллеям сада, а за ней устремляется павлин. Он ходит за ней по пятам, как будто влюбился в ее статную фигуру, увидел что-то прекрасное. Это меня поразило — такая горделивая птица признала поражение в «конкурсе красоты» и восхитилась чужим превосходством».

«Кто из режиссеров меня вдохновляет? Конечно, это Кубрик. Мне очень льстит, когда меня сравнивают с ним, хотя я никогда не буду сопоставлять свои работы с его фильмами, это кощунство. Мне нравится его воображение, непредсказуемость, оригинальное развитие сюжета, декорации и актеры, которые так естественно играют безумцев, меня поражает глубокий психоанализ его картин».

«Определяет ли Vogue, что я буду снимать? Нет, за мной сохраняется свобода выбора в идее и концепции работы. Арт-директор приглашает меня на съемку, есть заданная одежда, мы выбираем моделей, определяем локацию, приезжаем в определенное место, и уже там я создаю свой собственный сценарий, затем снимаю эту историю и сдаю ее журналу».

«Стоп-кадр. Модная фотография»

 Его муза

Джиа Каранджи для "Vogue"
Джиа Каранджи для «Vogue»

Центральное место в экспозиции занимают фото дерзкой и необузданной модели, любимицы Дениса Пила – Джии Каранджи. Эта девушка ещё совсем юной успела вскружить голову многим дизайнерам и участвовала в показах великих кутюрье, но покинула этот мир слишком рано, наркотики погубили ее.

«Моей самой любимой моделью была Джиа. – признается Денис, – Я не встречал более прямолинейного и открытого человека, она была невероятно талантливой и сильной. Мне очень жаль, что Джиа ушла так рано, она навсегда останется в моем сердце».

Прелестное дитя

Брук Шилдс для ''Vogue''
Брук Шилдс для »Vogue»

Юная актриса Брук Шилдс как будто играет во взрослую женщину: нарядилась в шелковое вечернее платье и сделала парадную прическу, но в ее позах все равно читается детская непосредственность и легкая неуклюжесть.

Контраст двух миров

Серия "Марокко"
Серия «Марокко»

В серии фото из Марокко Денис Пил «поселил» европейскую девушку, привыкшую к роскоши и беззаботной жизни, в нищие кварталы, где она знакомится с уличными торговцами, ремесленниками и домохозяйками, играет с их детьми. Главная идея съемки на бедных улицах Марокко в том, что модель и зрители видят «болезненный контраст двух миров».

Простота и безмятежность

Кристи Тарлингтон для "ELLE''
Кристи Тарлингтон для «ELLE»

Из Марокко мы перемещаемся в Калифорнию, где встречаем Кристи Тарлингтон, супермодель 90-х. Она нежится в лучах солнца, сидя на веранде рыбацкого домика. Поза и  нежное лицо модели выражают полную безмятежность. Кристи Тарлингтон олицетворяет собой сексуальную простоту, в которой нет ничего вульгарного и пошлого, она поистине восхитительна.

Прекрасный лебедь

Энди Макдауэлл для "Vanity Fair"
Энди Макдауэлл для «Vanity Fair»

Фотосъемка с американской актрисой и моделью Энди Макдауэлл — гордость Дениса Пила. Он рассказал нам, что Энди, когда пришла к нему, была жутко стеснительной и закомплексованной. Фотограф возмутился и решил превратить гадкого утенка в прекрасного лебедя прямо на съемке»: включил музыку, начал рассказывать смешные истории, и вскоре девушка почувствовала себя свободно. Позже Макдауэлл не раз признавалась, что эта встреча в корне изменила ее представление о себе.

Ума. Начало пути

Первая фотосессия Умы Турман
Первая фотосессия Умы Турман

Уме Турман было всего шестнадцать, когда она пришла на первую съемку к Денису Пилу. Совсем подросток, ужасно напуганная и забитая: сверстники Умы издевались над ней, считая нестандартную внешность настоящим уродством. Но с Пилом все было по-другому, Ума Турман полностью раскрылась.

 История фотохудожника

Денис Пил – один из самых выдающихся фэшн-фотографов 20 века. В 80-х его печатали в таких известных глянцевых изданиях, как «Vogue», «GQ», «Vanity Fair», «ELLE» и «Marie Claire». Большинство из этих кадров являются настоящими иконами фэшн-фотографии. Героинями его снимков были модели, ставшие легендами 1980-х: Кристи Тарлингтон, Рейчел Уильямс, Лара Нашински, Ева Уоллен, Нэнси Донахью, Келли Леброк, Джоан Северанс, Йоанна Пакула. На выставке представлены фотосессии с Энди Макдауэлл, Умой Турман, Джией Каранджи, Брук Шилдс, Кристи Тарлингтон и другие.

Где посмотреть?

8 февраля в Центре фотографии имени братьев Люмьер состоялось открытие персональной выставки Дениса Пила «Стоп-кадр. Модная фотография». На ней представлены лучшие работы фотохудожника, которые были напечатаны в «Vogue»,«Elle»,«New York Times» и «Marie Claire».

Через тернии под землю

С чего начинался Московский метрополитен

Схема линий метро первой очереди, 1937 год
Схема линий метро первой очереди, 1937 год

В 2017 году в Московском метрополитене планируется открыть 16 новых станций, а всего количество станций уже перевалило за две сотни. Чем больше разрастается московское метро, тем сложнее представить, что 80 лет назад станций было всего 13.

Но между идеей, сегодня такой очевидной, и запуском движения электропоездов по первой подземной линии прошла череда неудачных попыток, полных драматизма и отражавших реалии той эпохи.

Проекты, опередившие время

Началось все в 1872 году (по иным источникам 1875-м), когда инженер Василий Титов предложил первый в России проект подземной железной дороги, которая соединила бы Курский вокзал и Марьину рощу. Однако городская дума эту идею не одобрила, посчитав метро слишком дорогим и не особенно нужным видом транспорта.

Проект А.И. Антоновича, Н.И.Голиневича и Н.П.Дмитриева
Проект А.И. Антоновича, Н.И. Голиневича и Н.П.Дмитриева

В начале 20 столетия возникали уже не просто предложения, а первые подробные технические разработки. Управляющий Московско-Казанской железной дорогой А.И. Антонович и инженеры Н.И. Голиневич и Н.П. Дмитриев в 1902 году предложили построить систему рельсовых линий, «сходящихся в центре и пересекающих промышленные и важные районы столицы». Но проект опять  остался лишь на бумаге: власти были не готовы потратить на него 112 миллионов рублей.

Следующими, кто решил попытать удачи, были инженеры П. Балинский и Е. Кнорре, они разработали в 1903 году очередной план строительства метро. Для того времени он был просто грандиозным: предполагалось проложить линии протяженностью 105 км, построить главную станцию в районе Театральной площади и вокзал рядом с храмом Василия Блаженного. Балинский даже нашел богачей, которые согласились выделить 155 миллионов рублей на этот проект. Однако, как только о плане подземной дороги стало известно широким массам, прокатилась волна протестов. Политический деятель Александр Гучков назвал его «фельетоном, и притом очень дурного стиля». Взбунтовалось и общество археологов: их не устраивало, что рядом с церквями и храмами будут располагаться эстакады и тоннели. Масла в огонь подливало и духовенство, которому метро представлялось земным адом. «Возможно ли допустить сию греховную мечту? Не унизит ли себя человек, созданный по образу и подобию божию разумным созданием, спустившись в преисподнюю?» — писал митрополиту Иннокентию один из архиереев.

Таким образом, вот уже третий блин вышел комом. Общественность оказалась настроена резко негативно по отношению к революционным переменам в сфере столичного транспорта.

Не прошло и 40 лет

Дело сдвинулось с мертвой точки лишь в 1912 году, когда очевидно обострилась транспортная проблема. Инженер Кнорре, но уже без Балинского, предложил новый проект, его одобрили власти Москвы и даже запустили строительство. Но длилось оно недолго, началась Первая мировая война, а затем грянули Октябрьская революция и Гражданская война. Разумеется, властям на тот момент было не до метро.

Рабочие Метростроя
Рабочие Метростроя

К 1930-м годам население Москвы выросло уже до 3 миллионов человек, и советская власть приняла решение «немедленно приступить к подготовительной работе по сооружению метро». Для этих целей в сентябре 1931 года был учрежден Московский метрострой под руководством инженера-строителя Павла Ротерта.

Где взять людей?

Строители метрополитена
Строители метрополитена

С начала строительства метро возникла довольно острая проблема: не хватало рабочих рук. К лету 1932 года численность строителей составляла около 4,5 тысяч человек, тогда как планировалось привлечь более 12 тысяч. Советское руководство, недолго думая, решило массово агитировать молодежь. И в 1934 году метро строили уже 19 тысяч человек, а эта профессия стала одной из самых популярных и престижных.

Но дело оказалось не только в количестве, но и в качестве. Советское руководство поначалу не желало привлекать иностранных специалистов, однако вскоре пришлось принять решение сотрудничать с европейскими компаниями. Все-таки они имели немалый опыт сооружения метрополитена. Семь иностранцев даже были приняты на работу в Метрострой, а десять сотрудников организации отправились обучаться за границу.

Где взять оборудование?

Итак, проблема с людьми была решена. Но теперь остро встал другой вопрос: откуда взять машины для бурения? На заводах СССР они не выпускались, а заказывать их в Англии было слишком дорого. На помощь пришел тогдашний московский глава (первый секретарь МГК партии) Никита Хрущев, который предложил заказать одну машину у английской компании, разобрать её и впоследствии построить такую же на заводе «Серп и молот». Вскоре при строительстве метро начали использовать только отечественное оборудование.

По тому же принципу Метрострой хотел решить и проблему с эскалаторами. Но не тут-то было. Европейские компании не захотели делиться своим опытом. Лишь одна из них согласилась продать эскалатор, но цена была запредельная. Как потом оказалось, советские инженеры прекрасно справились и без помощи западных коллег, скопировав, насколько было возможно, конструкцию их эскалаторов. Интересно, что на тот момент они получились самыми длинными и быстрыми в мире.

«Метро мне понравилось!»

Эту фразу произнес 22 апреля 1935 года Иосиф Сталин после того, как прокатился на подземном поезде вместе с Молотовым, Кагановичем и Орджоникидзе. Общее впечатление не омрачил и тот факт, что столь важные гости застряли на несколько минут в тоннеле. После этой пробной поездки метро было готово встретить жаждущих прокатиться. Чтобы первыми попасть в подземку, многие москвичи целую ночь ждали у вестибюлей торжественного открытия.

«Го-о-т-о-о-о-в!»

Демонстрация в честь открытия метро
Демонстрация в честь открытия метро

15 мая 1935 года произошло историческое событие – в рейс со скоростью 5 км/ч отправился первый пассажирский поезд московской подземки, который вел машинист с по-настоящему русским именем Иван Иванович Иванов. Протяженность пути составляла 11,6 км, было построено 13 станций, поездов было всего 14, а вместо привычного «Осторожно, двери закрываются» на всю станцию звучало громкое «Го-о-т-о-о-о-в!». Но это была настоящая «победа метрополитена», которая, по выражению Кагановича, знаменовала и «победу социализма».

Интересно, что…

Марк Брюнель
Марк Брюнель

Идея строительства подземных тоннелей возникла у француза Марка Брюнеля, жившего в Англии. В 1814 году он наблюдал за морским червем, который пробирался через дубовую щепку с помощью зубчатых краев своей раковины. Чтобы получившийся «тоннель» не разрушился, червь оставлял на его стенках слой извести. Этому принципу и последовал Брюнель, построив в 1843 году первый в мире подводный тоннель под Темзой, который продемонстрировал всем удобство и надежность подземного сообщения.

Когда Тифлис был «маленьким Парижем»

Выставка грузинского авангарда в музее изобразительных искусств имени А.С. Пушкина

Грузинский авангард зародился в начале 20 века, самый яркий период его развития пришелся на 1917-1921 годы. Именно в это время в Тифлисе или, как его тогда называли, «грузинском Париже», работали художники, поэты, писатели, музыканты, которые осваивали новые направления, возникшие после революции в России и окончания Первой мировой войны.

Тифлис стал «землёй обетованной» для новой культуры, из него работы молодых художников могли попасть в Европу. Сообщества футуристов издавали манифесты с призывами «надеть мир на новую ось», а в 1919 был открыт «Футурвсеучбище», специальный институт, где проводились поэтические вечера, лекции о футуризме и авангарде. В этом месте юные поэты и художники могли свободно выражать свои взгляды и, вдохновляясь фольклорными мотивами Грузии, создали новую волну в искусстве, которая будет существовать до середины 20-того столетия.

Несмотря на то что многие грузинские живописцы, как Ладо Гудиашвили и Какабадзе, следовали парижской школе и брали пример с Фужиты, Модильяни, Пикассо и Матисса – легенд Монпарнаса, их живопись не переняла манеру французского авангарда, не стала европеизированной, а сохранила свой национальный колорит. Грузинский авангард – это уникальное явление, в котором соединились веяния новой живописи и этническая самобытность.

На выставке «Грузинский авангард», в музее личных коллекций ГМИИ имени Пушкина представлены 200 картин мастеров грузинского авангарда: Пиросмани, Гудиашвили, Зданевича, Какабадзе и Ираклия Гамрекели. Творчество каждого художника показано в развитии, и видно, как менялся его стиль на протяжении времени под влиянием различных событий.

Экспозиция позволяет посетителям увидеть жизнь Грузии той поры – картины Пиросмани переносят зрителей на шумные весёлые пиры и праздники, Гудиашвили указывает путь в мир грузинских сказок и легенд, Какабадзе погружает в настоящий водоворот событий – вначале мы оказываемся на склонах холмов его родной Имеретии, затем попадаем в кубические города, любуемся французскими пейзажами в духе импрессионизма и в итоге возвращаемся в исходную точку – на родину художника.

Такие разные мотивы, такие разные подходы художников к живописи, такие разные жизненные пути слились воедино и образовали уникальную культуру.

Нико Пиросмани: его пиры и звери с человеческими глазами

Пиросмани, крестьянского сына и художника-самоучку из Тифлиса, критики часто сравнивали его с французскими современниками Руссо и Матиссом.

Для его работ, особенно портретов, характерны яркие насыщенные цвета в одежде героев и предметах, а также чёрный фон, который, по мнению художника, служил для выделения главного образа на полотне и был нужен для того, чтобы не отвлекать внимание зрителей от центральных персонажей.

Портреты Пиросмани предпочитал выполнять по фотографиям – так были написаны портрет Ильи Зданевича (1913) и Александра Гаранова (1906). Ещё одна особенность творчества Пиросмани: он любил быстро заканчивать работу – ему понадобилось всего три дня, чтобы создать портрет Зданевича. Художник считал, что если уделять картине слишком много времени, то её можно только испортить. Наоборот, нужно писать сразу, пока есть вдохновение, и полностью посвятить себя работе. Пиросмани никогда не исправлял и не дополнял свои рисунки, он оставлял их сразу, как только добавлял последний штрих.

Животные на его картинах выглядят очень трогательно и реалистично, а их глаза, как сказал один критик, напоминают глаза самого Пиросмани. Художник пытался очеловечить своих зверей, через их задумчивые выражения показать, что звериная душа намного глубже, чем кажется людям, что они понимают абсолютно все, что происходит в жизни, и даже способны видеть вещи за ее гранью. «Жираф», «Лань», «Погонщик с верблюдом», «Белая корова на черном фоне» находятся в главном зале Музея личных коллекций.

"Семейный праздник" Нико Пиросмани
«Семейный праздник» Нико Пиросмани

Пиросмани изображал шумные весёлые праздники, на которых собирались родственники и друзья знатных грузинских семейств, пиры с изобилием яств, где вино лилось рекой. Однако сам был очень беден, и ему были не доступны подобные удовольствия, он лишь мог наблюдать за ними со стороны. Возможно, в процессе работы над этими сценами, Пиросмани представлял себя участником беззаботного кутежа, на котором ему удалось отведать вкуснейшие блюда и насладиться праздностью вечера.

К картинам этой серии относятся несколько вариаций «Пира», «Семейный праздник», «Кутеж» и «Обед тифлисских торговцев с граммофоном», представленные в музее. Художнику нравилось изображать повседневную жизнь крестьян, ремесленников и работников. Он изображал, как они занимаются привычными делами, в процессе их труда, поэтому их позы не статичны, они живые. На выставке можно увидеть картины «Пастух в бурке», «Девочка с гусыней и гусятами», «Рыбак среди скал», «Гумно». Творчество Пиросмани завораживает искренностью и простотой сюжетов, в них прослеживается философия грузинской жизни.

Волшебные миры Гудиашвили

"Зеленые нимфы" Ладо Гудиашвили
«Зеленые нимфы» Ладо Гудиашвили

Другой грузинский авангардист Ладо Гудиашвили выполнял свои работы в разнообразных техниках и жанрах. Он писал маслом, гуашью, акварелью, в своих произведениях использовал мифологические, исторические, эпические, политические и лирические мотивы. Гудиашвили практически не писал с натуры, большинство образов и сюжетов – это порождение его фантазии. Художник старался придать своим картинам сказочность, сделать их фольклорными и фантазийным.

В работах Гудиашвили преобладают мягкие, светлые тона, его излюбленные цвета – бледно-бирюзовый и светло-зелёный. Животные и люди выглядят как персонажи с иллюстраций к грузинским легендам и преданиям – загадочные фигуры цариц, храбрые герои, чудовища и сказочные создания заполняют его картины.

Центральными героями произведений лирической тематики Гудиашвили сделал изящных животных: лань, лошадь, экзотические птицы занимали особое место в этих работах. В эпических картинах часто присутствовали медведь, волк, обезьяна или какое-нибудь чудовище из легенды. Гудиашвили любил включать образы животных и в портреты, в ассоциации с конкретным человеком. Рядом с Галиной Улановой он поместил лань, рядом с Пиросмани – газель. Самые интересные работы с мифологическими сюжетами: «Зеленые нимфы», «Юноша c пятнистой ланью», «Весна» и «В плену любви».

Гудиашвили преподнес себя как фантазера, который способен соединить два мира – реальный и сказочный.

Давид Какабадзе – смелый экспериментатор из Имеретии

"Абстрактная композиция" Давид Какабадзе
«Абстрактная композиция» Давид Какабадзе

Творчество художника из Имеретии Давида Какабадзе сильно отличается от живописи Пиросмани и Гудиашвили. Он был представителем кубизма. Какабадзе в основном писал пейзажи родной Имеретии («Имеретия — мать моя!» – самая яркая картина из этого цикла), эпические мотивы кавказской и французской природы, натюрморты, сцены из театра. Во время поездки во Францию Какабадзе создал серию работ «Париж», которая включает в себя этюды городских видов и жизни парижан – все они представлены на выставке.

Путешествуя по стране, Какабадзе написал много пейзажей провинции Бретань. Рисунки с маленькими уютными домиками, полями и садами в стиле импрессионизма украсили целую стену в музее.

Поездка во Францию кардинально повлияла на технику работ Какабадзе – художник увлёкся беспредметной живописью, отошёл от кубизма и постимпрессионизма. В своих новых работах Давид сочетал модерн с авангардными экспериментами, которые стали переходом от постфутуризма к абстрактно-кинетическому искусству. Художник ввёл в свои коллажные работы зеркала, линзы, блестящий металл, стремясь к эффекту внутреннего света, который должна была излучать сама картина. В его нестандартных работах отчётливо читался «дух машинизма».

Серия механических композиций занимает основное место в зале, посвященном живописи этого художника. После парижских экспериментов Какабадзе вернулся домой и возобновил занятия пейзажной живописью, ориентируясь на кубизм, абстракционизм и социальный реализм, но он все равно не смог отойти от романтической направленности своих произведений.

«Театральный карнавал» Какабадзе и Гамрекели

Театральные костюмы Гамрекели
Театральные костюмы Гамрекели

Позже Какабадзе стал первым художником-оформителем во 2-ом Государственном драматическом театре в Кутаиси. В театральных работах Давида, в костюмах и декорациях к спектаклям, отразилось течение абстракционизма. В одежде отсутствовали четкие простые формы, она была броской и многослойной, ярких кричащих цветов, некоторые платья и пиджаки расцвечены двухцветными ромбами и крупным горохом. Таким образом Давид оформил следующие спектакли: «Гурия Ниношвили» Дадиани, «Гибель эскадры» А. Е. Корнейчука (1934), «Каменный гость», «Мачеха Саманишвили» Клдиашвили (1937), «Непобедимые» Готуа (1945).

Многие театральные работы Давида Какбадзе: костюмы, эскизы, части декораций, выполненные в стиле кубизм — размещены в отдельном зале музея. Кроме этого реквизита для спектаклей на выставке можно увидеть костюмы к пьесам Шекспира, над которыми трудился ещё один грузинский художник – Ираклий Гамрекели. Интересно, что одежда для Гамлета, принца датского, целиком выполнена в национальном грузинском стиле, в ней нет ни малейшего намека на европейскую моду того времени.

«Оркестр» Зданевича

''Музыкальный оркестр" Илья Зданевич
»Музыкальный оркестр» Илья Зданевич

Четвертый грузинский авангардист, работы которого выставлены в музее – Кирилл Зданевич. Он был основателем оригинальной оркестровой живописи: художник брал сцены из различных концертов и выполнял их в кубическом стиле, сочетая мелкие детали и создавая музыкальные образы контрабасистов, виолончелистов и скрипачей.

Выставка «Грузинский авангард» открыта до 12 марта 2017 года.

Яцек Палкевич

Как быть первым?

Опыт, вера в себя, воля

Эти три составляющих для Яцека Палкевича  даже в экстремальных условиях стоят впереди физической подготовки. Песчаные бури, джунгли, переполненные ядовитыми змеями, ветреное заполярье устраивали Яцеку проверку на прочность и научили смотреть только вперед. Это качество он воспитывает и в людях самых разных профессий, которые попадают к нему на обучение. Например, тренировки для космонавтов за полярным кругом:

«Мы где-то за Воркутой, там было минус тридцать три градуса мороза, но из-за сильного ветра чувство холода в два раза больше. Обморожение может наступить меньше чем за минуту»

Статья Яцека Палкевича «В тундре, под Воркутой»

Вызов самому себе

Главная победа в жизни Палкевича – путешествие по Атлантическому океану в одиночестве:

«Я хотел доказать, что человек, в случае крушения судна, сможет переплыть Атлантический океан в шлюпке и остаться в живых»

Во время этого путешествия Яцек попал в трехдневный шторм, не спал, боролся не только со стихией, но и с самим с собой. У него возникла мысль сесть на первое же судно, которое ему встретится.

«Если я продолжу путь, то не факт, что выживу, но если сдамся, как же я посмотрю на себя в зеркало»

Интервью с Палкевичем 

Страх — это нормально

«Когда был молодой, стыдился этого чувства, но иногда страх останавливает и работает на пользу, ты начинаешь рассуждать перед тем, как сделать следующий шаг»

Несколько частей из книги Палкевича «Мой Борнео»

Дорога дружбы

Яцек уже восемь месяцев работает над новым проектом, новым вызовом самому себе – Великий Шелковый путь из Китая через Киргизстан, Узбекистан, Казахстан, Россию, Белоруссию в Польшу.

«Для меня очень важна дружба между россиянами и поляками. Я посол отепления отношений»

Официальный сайт экспедиции

Встреча с Яцеком Палкевичем прошла 24 января на Мясницкой, 20, в рамках цикла «Важнее чем политика».

Несколько фактов о Яцеке Палкевиче
  • Пересек в одиночку Атлантический океан в шлюпке.
  • Открыл первую Школу выживания в Европе.
  • Возглавил экспедицию в самое холодное место в Сибири.
  • Определил точное местоположение истока реки Амазонки.


Патагония (2010)

Пустыня Такла-Макан (2012)

gw2b