Пользователи Твиттера сравнили «Игру в кальмара» с «Голодными играми»

Чем же отличаются эти вселенные?

Время чтения: 4 минуты

«Игра в кальмара» — новая корейская дорама, которая возглавила топ Netflix всего за несколько дней. По сюжету бедствующим жителям Южной Кореи предлагается сыграть в детские игры, чтобы заработать крупную сумму денег. Каждого «выбывшего» игрока убивают, но об этом участники узнают только после начала первого раунда.

В социальных сетях сразу же принялись обсуждать корейский сериал. Так, пользователей Твиттера возмутила схожесть «Игры в кальмара» с экранизацией книги американской писательницы Сьюзен Коллинз.

«Голодные игры» — серия фильмов режиссера Гэри Росса, состоящая из четырех частей. Деспотичное государство ежегодно устраивает показательные игры на выживание. Казалось бы, всё сходится: и «Голодные игры», и «Игра в кальмара» — смертельные испытания, победителем в которых может стать только единственный выживший. Однако не всё так просто: вселенные, хоть и имеют одну тематическую направленность, всё же сильно различаются между собой.

Как герои узнают об играх?

Организаторы предлагают сыграть героям в ттакджи (Источник: Netflix)
Организаторы предлагают сыграть героям в ттакджи (Источник: Netflix)

В дораме организаторы испытаний находят людей, которые оказались в трудном финансовом положении, и предлагают для начала сыграть в игру Ттакджи. Проигравший каждого тура должен отдать победителю сто тысяч корейских вон (около 6 тысяч рублей — прим. ред.). Если у героя нет денег, он может расплатиться за проигрыш пощечиной — стоимость одного удара равна сумме выигрыша. В конце концов, организаторы оставляют визитную карточку с загадочной фразой «позвоните, если захотите сыграть во что-то большее». Герои не знают, с чем им предстоит столкнуться, но от нищеты и безысходности набирают нужный номер. Они сами решают принять участие в испытании и даже могут его покинуть. По условиям договора, если большинство проголосует за отмену игр, всех отпустят домой. Правда, все деньги в этом случае отправятся в семьи погибших участников.

В «Голодных играх» всё не так: жители вымышленного государства Панем знают об играх почти с рождения. Испытания на выживание — наказание за восстание, которое произошло 74 года назад. Каждый год во время торжественной жатвы выбирается 12 юношей и 12 девушек в возрасте от 12 до 18 лет — по паре из каждого города-дистрикта. В некоторый местах, например, в первом и третьем дистриктах, к играм готовятся намеренно. Вся молодежь усиленно тренируется, чтобы однажды победить.

Кто наблюдает за играми?

В «Игре в кальмара» об испытаниях не знает практически никто. Все проходит в условиях строгой анонимности: каждый организатор носит маску и красный костюм, а ведущий полностью облачен в чёрное. При этом есть несколько богачей, которым разрешается смотреть на финальные испытания — в сериале их называют «випами». Они носят золотые маски в форме животных. В последней серии выясняется, что випы — создатели игры. Это значит, что, кроме них, организаторов и участников, о существовании смертельной схватки никто не знает.

Мир «Игры в кальмара» закрыт от масс  (Источник: Netflix)
Мир «Игры в кальмара» закрыт от масс  (Источник: Netflix)

В серии фильмов Гэри Росса об играх знает вся страна: их транслируют в каждом уголке Панема, о них говорят, их обсуждают. Богатые жители столицы делают ставки на игроков. Некоторые становятся спонсорами и помогают участникам на поле: за большие деньги отправляют лекарства, еду и средства для выживания. Например, в первом фильме главные герои получают заживляющую мазь и лечебный суп, а во втором — устройство, с помощью которого можно извлечь сок из деревьев.

Где проходят испытания?

И в «Игре в кальмара», и в «Голодных играх» участники соревнуются в специально оборудованных местах. Вот только в дораме это современное здание, в котором есть кровати и трехразовое питание, а в фильмах Росса — арена, оформленная под реальные природные условия. Это может быть лес, как в первой части, или джунгли с песчаным пляжем, как во второй.

В дораме испытания проходят в специально оборудованных комнатах (Источник: Netflix)
В дораме испытания проходят в специально оборудованных комнатах (Источник: Netflix)

В «Игре в кальмара» испытания проходят в разных помещениях, которые обставлены специально под определенный тип соревнований. Локации повторяются всего два раза: на первой и последней игре. Герои не могут этого не заметить:

— Узнаешь место? Здесь мы играли в «Тише едешь — дальше будешь». Здесь всё началось, и здесь всё закончится, — говорит один из финалистов испытания

В «Голодных играх» арена выглядит как простая открытая местность — на деле же это сложный механизм, которым управляют лучшие умы Капитолия. Они могут с легкостью устроить участникам дождь или лесной пожар, создать опасных ос-убийц или голодных псов-людоедов.

В «Голодных играх» арену создают и контролируют организаторы (Источник: КиноПоиск)
В «Голодных играх» арену создают и контролируют организаторы (Источник: КиноПоиск)

Главное отличие — посыл

Цель «Голодных игр» — показать, что деспотам и тиранам не место у власти. Людей невозможно вечно держать в страхе, заставляя убивать друг друга ради чьей-то забавы. Каждый игрок может стать звеном революции, которая свергнет устоявшийся режим насилия. У «Игры в кальмара» немного другой посыл: бедные и отчаянные готовы на всё, чтобы исправить свое положение. Убивать других или умереть самому — не столь сложный выбор, когда тебе нечего терять, но есть что обрести.

А что в итоге?

«Голодные игры» и «Игра в кальмара» — разные вселенные, в которых действуют разные законы. Если Панем — выдуманное антиутопическое государство, то локации дорамы — реальные города, улицы, платформы и магазины. «Игры» объединяет тема смертельного испытания, в котором может быть один победитель, но идея, посыл и наполнение у них разное. В серии фильмов Росса персонажи отстаивают право жить свободно, без жестоких правителей и пугающих игр. В это же время авторы дорамы будто бы спрашивают зрителя: вдруг однажды и ты согласишься сыграть?

Триумфальная арка обернута тканью

Знаменитый монумент в центре Парижа превращён в произведение современного искусства

Время чтения: 2 минуты

В сентябре облик Парижа преобразила последняя работа художника концептуалиста Христо. Триумфальная арка на площади Шарля Де Голля в Париже скрылась под метрами ткани. В таком виде она пробыла до 3 октября 2021 года. Сам мастер не увидит результата своих трудов, так как Христо Явачев умер в 2020 году.

Triumfal'nuyu arku obernuli v tkan' po proektu Hristo
Триумфальную арку обернули в ткань по проекту Христо (Источник: France.24)

Христо Явачев был известен своей любовью «упаковывать» разные вещи в ткань. Ему удалось завернуть почти всё: от банок и телефонов до целых зданий и островов. Концепцию Empaquetage (ампакетаж — упаковка) изобрёл сам Христо ещё в 60-х годах. Именно она принесла ему мировую известность. Заниматься ампакетажем он начал с женой Жанной Клод. Сперва они упаковывали мелкие предметы, позже занялись завёртыванием островов и зданий.

Направление, в котором последние годы работали именитые художники, называется лэнд-арт. В основе него лежит работа с ландшафтом и использование природы на благо искусства. Примеров таких работ много. Так, в 1970 году Роберт Смитсон построил на берегу Большого Солёного озера огромную спираль, состоящую из грязи и соли, а в Аргентине владелец фермы высадил на своём поле деревья в форме гитары в память о жене.

Несмотря на большое количество используемых материалов для таких больших инсталляций, художники стараются не навредить природе. Христо и его жена создают произведения из перерабатываемых материалов, чтобы после завершения проекта всё можно было утилизировать или использовать повторно.

Фото: Wolfgang Volz © 1983 Christo
Христо работал и с островами в Майями (Источник: Wolfgang Volz © 1983 Christo)

На то, чтобы укрыть Триумфальную Арку, потребовалось 25000 метров ткани и 3000 метров верёвки. Все проекты художник и его жена финансируют сами. Для оплаты используются деньги, накопленные с продаж рисунков и моделей построек. Для Триумфальной арки художникам потребовалось 14 млн евро.

Работа над монументом в Париже не стала самой масштабной в творчестве Христо. Для «Завёрнутого Рейхстага» потребовалось более ста тысяч квадратных метров ткани, а площадь работы «Окружённые острова» во Флориде составляла около шестисот тысяч квадратных метров.

Обернуть Триумфальную Арку художник мечтал ещё с 60-х годов прошлого века, но воплотить проект в жизнь удалось только сейчас. Помешали и ограничения, связанные с пандемией, так как работу планировали сделать ещё в 2020 году.

Христо Явачеву было 84 года. Он продолжал творить до последних дней. «Я хочу превратить архитектурные объекты в объекты вдохновения для артистов и в само искусство»,— говорил Христо. Теперь его работы стали неотъемлемой частью культурного наследия.

Христо на озере Изео. Проект «Плавучий пирс» (2014–2016). Фото: Christo et Jeanne-Claude
Христо на озере Изео. Проект «Плавучий пирс» (Источник: Christo et Jeanne-Claude)

«Бунтарка»: мы сами во всем виноваты

Новый экипаж «М-Ж» начинает свой полет и разбирается, почему же спорт — это просто абсурд

Время чтения: 11 минуты

Осенняя хандра шагает по стране, поэтому самое время обратиться к драйвовым и заряжающим кинокартинам. По этому случаю сегодня мы решили окунуться в мир спортивной гимнастики и пересмотреть фильм «Бунтарка» с дерзкой Мисси Перегрим в главной роли!

Мисси Перегрим с коллегами по фильму (источник: Кинориум)

Сюжет

Женский взгляд

В основе фильма «Бунтарка» лежит история сильной девушки со «спортом в крови». Однако развод родителей и позор на предыдущих соревнованиях напрочь отбили у главной героини желание стремиться к чему- либо, тем более к карьере спортивной гимнастки. Новая Хейли Грэм выбирает индивидуальность, свободу распоряжаться собой и своей жизнью, а не «6 часов ежедневных тренировок, которые тебя убивают». Веселые друзья, BMX-фристайл и свежий ветер в голове. Однако вскоре Хейли вновь приходится столкнуться с чопорным миром спортивной гимнастики и своим старательно забытым прошлым, ведь иначе ей грозит тюрьма. Героине предстоит обуздать свой бунтарский дух и усвоить важные уроки жизни. Что на самом деле не так с миром спортивной гимнастики? От чего зависит победа и какова ее истинная ценность?

Берт Викерман и Хейли Грэм в гимнастическом зале, кадр из фильма (источник: КиноПоиск)

Однако при этом фильм «Бунтарка» в большей степени посвящен не спорту. Это кино о жизни и взрослении, поиске себя и своих ценностей. Главные герои фильма — это, в первую очередь, обыкновенные люди, со своими личными проблемами, а уже потом волевые спортсмены. Хейли пытается справиться с обидой из-за ухода мамы из семьи, Джоанна мечтает побывать на выпускном балу, а Берт Викерман борется с жадностью к победам.

Мужской взгляд

Сюжет интересен тем, что, если развернуть его в обратном порядке, то получится еще одно самостоятельное высказывание. В экспозиции мы видим девушку (Хейли), полностью разочарованную в спорте и нашедшую свое место в субкультуре скейтбординга. Она видит спорт — в данном случае гимнастику — насквозь. И поспорить с ее взглядами крайне трудно: спорт действительно травмирует, как физически, так и ментально. Причудливое стечение обстоятельств, а точнее выбор без выбора (в котором она готова предпочесть тюрьму и военную академию возвращению в гимнастику, но ее мнение игнорируется) вынуждает ее вернуться обратно в спорт и взять реванш (у себя или у жизни?). За весь фильм ее убеждения, в общем-то, не меняются. Скорее Хейли выступает в роли мессии и открывает глаза другим девочкам-спортсменкам, и в этом ее бунтарство.
Разворачивая сюжет в обратном порядке, мы получим персонажа, который разочарован в спорте и нашел себя в другом занятии и ином обществе. Я не берусь утверждать, какое из высказываний — оригинальное или обратное — лучше, но второе, как минимум, ближе к правде.

Что же скрывается за дерзкой оболочкой? (источник: Irecommend)
Что же скрывается за дерзкой оболочкой? (источник: Irecommend)

Режиссура

Женский взгляд

Режиссером «Бунтарки» стала Джессика Бендинджер, которая известна тем, что написала сценарии к таким фильмам, как, «Добейся успеха» и «Аквамарин». Также Джессика является сценаристом некоторых серий популярного телесериала «Секс в большом городе».

Джессика Бендинджер с актерами (источник: kinomania)

Перед началом работы над фильмом Бендинджер в течение нескольких лет искала и отбирала материалы по спортивной гимнастике. Впоследствии она создала на их основе документальную презентацию, после показа которой проектом заинтересовалось сразу несколько киностудий. Однако права на реализацию заполучила студия Disney, что позволило Бендинджер дебютировать в качестве режиссера. Таким образом, Джессика осуществила свой проект для Touchstone Pictures в сотрудничестве с Spyglass Entertainment.
Несмотря на то, что «Бунтарка» претендует на жанр спортивной истории, многие критики поставили фильму низкие оценки именно по причине плохой передачи атмосферы спорта. Однако если взглянуть на картину в целом, то фильм не может не порадовать с точки зрения музыки, стилистики, цветокоррекции.

Кадр из фильма, 2006 (источник: КиноПоиск)

Костюмы гимнасток отражают внутренний мир и характер каждой героини. Отдельного внимания заслужил огненный леотард Хейли Грэм, в котором бунтарка выполняла вольные упражнения на чемпионате США под драйвовую музыку.

Кадр из фильма, 2006 (источник: КиноПоиск)

Музыкальная составляющая фильма также вызывает восхищение. Главную песню исполнила шестикратная обладательница премии «Грэмми» Мисси Элиот (Missy Elliott), а над большинством саундтреков работал Майк Симпсон, написавший музыку к таким общепризнанным хитам как «Бойцовский клуб», «Дорожное приключение» и «Чумовая пятница».
Стоит также отметить наличие в фильме интересных технических приемов, благодаря которым «Бунтарка» смотрится с интересом и не теряет своей динамичности. В этом плане особенно выделяется сцена чемпионата школы, которая смонтированав в стиле калейдоскопа. Все гимнастки в ярких леотардах и под быструю музыку одновременно выполняют упражнения.

Чемпионат школы, кадр из фильма (источник: l2db)

Также очень эффектно выглядит сцена представления двух значимых героев кинокартины, Берта Викермана и Джоанны. Фигурки обоих героев прокручивались на 360 градусов, в то время как рядом на экране появлялась информация о них.

Мужской взгляд

Фильм предлагает агрессивный монтаж в комедийных и экшн-сценах, и, напротив, в драматических сценах длинные, даже замедленные кадры, что дополнительно подчеркивает эмоциональный окрас действия. Общая же эстетика, в купе с саундтреками и звуковыми эффектами, напоминает клипы MTV. Телефоны-раскладушки, велосипеды BMX, снэпбэки — все это вызывает чувство ностальгии по началу-середине 2000-х, времени, когда фильм был выпущен.

Общее впечатление

Женский взгляд

Может эта история и проседает с точки зрения атмосферы спорта, но «Бунтарка» однозначно является красочным, стилистически выдержанным фильмом, который приятно смотреть. При этом кинокартина не лишена смысловой нагрузки, у каждого главного героя есть личная драма, свои вопросы к себе и к жизни.

Кадр из фильма, 2006 (источник: КиноПоиск)

Кино действительно не о спорте, а о людях. Хейли Грэм на протяжении всей ленты пытается понять, кто же виновен в ее неудачах. В итоге девушка осознает, что нет смысла искать ответственных– нужно действовать, потому что все завист только от нее. Это позволяет главной героине обуздать свой бунтарский дух и набраться смелости полностью взять свою жизнь под контроль.

Кадр из фильма, 2006 (источник: КиноПоиск)

После просмотра фильма остается приятное послевкусие, преисполненное вдохновением и надеждой. Эта история выводит для зрителей универсальное правило жизни: никогда не поздно взять все в свои руки. И вовсе не важно, касается ли вопрос спорта, порядочности или побед. В этом плане даже хорошо, что кино по своей тематике не ограничилось спортом, ведь таким образом «Бунтарка» становится интереснее более широкой аудитории.

Берт Викерман и Хейли Грэм на Чемпионате США, кадр из фильма (источник: КиноПоиск)

Мужской взгляд

Фильм, заявленный как спортивная драмеди, сохраняет непринужденную атмосферу. И хотя сам юмор местами строится на сортирных шутках и шаблонном поведении стереотипных персонажей, желания выключить не возникает — все таки это легкое кино для вечернего просмотра, желательно в компании друзей. Что касается общего послания, то оно прозрачно: если спорт жесток и лишен смысла и — раз уж так сложилось, что вас туда занесло — то оставайтесь солидарными к партнерам и соперникам, а также будьте готовы нести ответственность за свои поступки. Подобную философию следует перенести и на жизнь. Для Хейли так и происходит, поскольку спорт становится лишь фоном на пути к главной идее, озвученной самой героиней: «За все отвечаем только мы. Это и есть настоящая реальность».

Феномен белого платья

Как белый цвет стал символом свадьбы

Время чтения: 3 минуты

Белый цвет уже несколько столетий прочно ассоциируется с браком: из поколения в поколение невесты надевают именно белые платья и укрывают голову белой вуалью. Как и почему этот цвет остался неизменным свадебным символом?

Белый цвет в одежде

Современный образ невесты не имеет ничего общего с образами невест предыдущих веков. Праздничный наряд всегда считался предметом роскоши, шился по последним тенденциям моды, которые и диктовали нужный цвет. Обычно использовалась дорогая редкая красная или черная ткань. Красный цвет на Руси считался самым подходящим для свадьбы, так как значил «красивый» и «нарядный». Чёрный цвет означал смерть невесты для старой семьи. В Европе белый же являлся траурным цветом: в нём ходили овдовевшие королевы, из-за чего их называли «Белыми Дамами».

В религии белый цвет играет ключевую роль. В Древнем Риме и Древней Греции жрецы носили белую одежду, для них  символ чистоты и веры. В Римско-католической церкви Папа Римский одевается в белый цвет с 1566 года, белый считается цветом Иисуса Христа, жертвы. В Японии и Индии такой цвет также является цветом священнослужителей. Ассоциации, укрепившиеся за белым цветом как цветом религии, относились и к невинной невесте, поэтому церковь поддержала использование светлых тканей для свадебных платьев.

Portret Elizabet de Bogarne
Портрет Элизабет де Богарне (художник Николя де Ларджильер)
Первые белые свадебные платья

В 1499 году на свадебную церемонию герцогиня Бретани и королева Франции Анна Бретонская надевает белое платье. Брак с Людовиком XII был ее третьим замужеством. Первый супруг герцогини, Карл VIII, и их дети умерли, поэтому она выходила замуж в белом, траурном цвете.

К 19 веке восприятие светлых тонов меняется, они становятся символами богатства, так как на стирку одежды такого цвета тратится много денег. Белый цвет становится признаком высшего общества, и следующая в нем на свадьбе появляется вторая супруга Наполеона Бонапарта эрцгерцогиня Мария-Луиза Австрийская.

Триумф белого цвета пришелся на середину 19 века, после свадьбы королевы Виктории и принца Альберта. Платье стало настоящей сенсацией: его фотографии быстро разошлись по газетам, так что каждая девушка мечтала повторить мельчайшую деталь. Торжественный наряд невесты состоял из викторианского атласного платья кремового цвета, покрытого кружевами и цветами апельсина. Шлейф тянулся на 5,5 метров, белый венок и вуаль покрывали голову королевы вместо короны. Причиной выбора такого цвета стали кружева: именно они важны в этом образе, так как мелким ремесленникам-кружевникам была необходима поддержка со стороны государства во времена развития промышленности. Королева Виктория с помощью платья смогла показать, насколько ей важно благополучие подданных.

Svad'ba korolevy Viktorii i princa Al'berta
Свадьба королевы Виктории и принца Альберта (источник: Travel ASK)
Платья XX века

Одним из самых известных свадебных платьев 20 века стал наряд Принцессы Дианы. На него было потрачено тонны тафты, жемчуг и перламутр украшали светлую ткань. Длинный шлейф достигал 25 метров, в то время как рекорд английских королевских свадеб был только 20. Так, белое платье окончательно стало мечтой каждой невесты.

Svad'ba princessy Diany i princa CHarl'za
Свадебное платье принцессы Дианы (источник: tatler)

Фасоны платьев продолжают меняться, но белый цвет по-прежнему остается главным символом свадьбы. Это доказала и Бьянка Джаггер: девушка выбрала для своей помолвки строгий белоснежный костюм, состоящий из юбки длины макси и жакета на одной пуговице. Голову украшала широкополая шляпа с цветами, тонкая вуаль покрывала лицо, а на ногах белые босоножки.

Svad'ba Mika Dzhaggera i B'yanki Perez Moreny de Masiaz
Свадьба Мика Джаггера и Бьянки Перез Морены де Масиаз (источник: журнал ELLE)

Трансформируя классику

Постановка Михаэля Тальхаймера по мотивам одноименной пьесы «Эмилия Галотти»

Время чтения: 2 минуты

Год Германии в России стартовал в сентябре 2020 года и продлится до ноября 2021 года. В этот период проходило множество мероприятий, организованных при поддержке Гёте-института. Одним из таких событий является трехдневная постановка спектакля «Полнолуние» в Санкт-Петербурге. Гёте-институт уже привозил в Россию образцы немецкой современной театральной культуры. В 2005 году был поставлен спектакль «Эмилия Галотти» режиссера Михаэля Тальмахера. Источник – одноименная пьеса Готхольда Эфраима Лессинга. В нем режиссер переносит события пьесы в современный мир, но это не единственная вещь, которая меняется под авторским взглядом Тальмахера. Главные роли: Эмилия Галотти – Регина Циммерманн, и принц Гонзага – Петер Пагель.

Кадр из постановки, 2001 (Источник: henningvogt)
Кадр из постановки, 2001 (Источник: henningvogt)

По сюжету источника принц Гваласталлы Хетторе Гонзага безумно влюблен в простую девушку Эмилию, и, желая ее заполучить, обманом захватывает перед свадьбой, убивая жениха, графа Аппиапи. В пьесе Лессинга прослеживается социально-политическая проблематика, неизменное столкновение правящего класса и простого народа.

Перенося материал Лессинга в свой спектакль, Тальмахер должен был принять множество смелых решений: от сокращения пьесы в пять актов до часа и семнадцати минут постановки, до сценического помещения и общей концептуализации. Особенно выделяется при просмотре сцена – она представляет собой очень высокое и довольно минималистичное место, на этом фоне все герои кажутся крошечными. Площадь пустует без какой-либо мебели и напоминает некий подиум, вдоль которого вышагивают герои. Сначала покажется, что стены лишены проемов, а выход к залу только один, но в действительности они есть: впервые зритель увидит их в сцене, где принц открывает створку в стене, а после протягивает руку для Эмилии.

Кадр из постановки, 2001 (Источник: welt.de)
Кадр из постановки, 2001 (Источник: welt.de)

Речь героев переполнена экспрессией, быстрым темпом почти без остановки. На таком фоне контрастно ощущаются сцены без диалогов, общение одними лишь жестами – например, как принц обводит лицо Эмилии рукой при встрече, а после рассматривает ладонь, как будто успел ухватить ее образ с собой. Театральный критик Ольга Галахова отметила в своей рецензии: «Режиссеру нет надобности быть верным сюжетным подробностям драматургии. Пьесу он очищает до голого каркаса, чтобы превратить в сценарий для пластического изложения и развести текст на голоса и зоны молчания». Большое значение в постановке отводится музыке – вальса Шиджеру Юмбайши, который играет на протяжении всего спектакля.

Вкус цвета

Краткое знакомство с одним из самых ярких фотографов Великобритании

Время чтения: 3 минуты

У цвета тоже есть вкус! И убедиться в этом можно взглянув на работы британского фотографа Майлза Олдриджа. Их с лёгкостью можно представить размещёнными в глянцевом журнале, будь то Vogue или Harpers Bazaar с их стремлением отражать представления общества о красоте. Однако, если задержать взгляд чуть подольше, можно заметить критику идеалов современности и той системы, частью которой они стали.

Снимок из серии «Работа по дому» позволяет посмотреть на быт домохозяек иначе
Снимок из серии «Работа по дому» позволяет посмотреть на быт домохозяек иначе

Главная героиня в произведениях Олдриджа — всегда женщина: привлекательная, чувственная, сильная, но при всём этом часто изображаемая им в ситуациях или местах, в которых больше всего заметны социальные роли, «порученные» ей обществом. На одной фотографии — жена, на другой — мать, на третьей — хранительница домашнего очага. Не так важно, в любом случае она предстаёт перед нами как объект потребления — один из множества, предлагаемых в современном мире ежеминутно.

Буйство красок стало визитной карточкой автора
Буйство красок стало визитной карточкой автора

Ещё будучи ребёнком Олдридж интересовался кинематографом. Именно поэтому ему так нравились плёночные снимки, напоминающие кадры из фильмов. Причём просто фиксировать фрагменты реальности на камеру юному Майлзу казалось скучным. Ему гораздо больше нравилось выстраивать свою, новую реальность, в которой он, почти как кинорежиссёр, сам руководил всеми своими историями, воплощая их в жизнь при помощи плёнки. И сегодня, несмотря на техническое развитие фотографии, Олдридж по-прежнему снимает многие свои работы на плёночный фотоаппарат, а также делает серии полароидов.

I think the power of image is in mystery - I endlessly create mysteries, by way of this dystopian message, to initiate intrigue. Miles Aldridge
I think the power of image is in mystery — I endlessly create mysteries, by way of this dystopian message, to initiate intrigue (с) Miles Aldridge

Нередко в своём творчестве Майлз Олдридж исследует проблему общества консьюмеризма, обращая внимание зрителя на то, насколько быстро всё вокруг коммодифицируется с целью удовлетворения запросов покупателей. Так, тема потребительской культуры прослеживается в работе «A drop of red, 2001» (Капля красного), на которой мы видим туфли молодой девушки, стоящей на клетчатом полу, забрызганном кроваво-красной жидкостью из случайно или намеренно разбитой бутылки кетчупа узнаваемого бренда. При создании этого снимка Олдридж специально заменил томатный соус на ярко-красную краску, чтобы цвет казался вычурным и чрезмерно насыщенным, превращая бытовую ситуацию в своеобразную трагедию.

В своих работах Олдридж использует отсылки к живописи поп-арта
В своих работах Олдридж использует отсылки к живописи поп-арта

Цвет для Майлза — основной инструмент в работе. Он намеренно составляет палитру из неестественно ярких, практически неоновых оттенков, причём интересно, что окрашены ими могут быть совершенно обычные предметы вроде посуды, сигарет или тары из-под бытовой химии. В повседневности такие цвета нам не встречаются, вот почему ослепительные цвета обостряют восприятие и меняют наш взгляд на вещи, к которым мы привыкли. Интенсивность палитры придаёт кадру напряжённости, делая его «киношным» и создавая особый «фильтр».

Идея изображать женщин во время работы по дому пришла Олдриджу в ходе наблюдений за собственной матерью
Идея изображать женщин во время работы по дому пришла Олдриджу в ходе наблюдений за собственной матерью

Олдриджу удаётся выстраивать поистине особый мир, в котором обыденность и быт, будучи раскрашенными, перестают быть тривиальными. Его фотографии многослойны, в них есть место и драме, и юмору и, конечно, эстетике. На снимках Олдриджа мода никогда не предстаёт чем-то исключительно наружным, непременно дополняясь идеей и превращаясь в часть истории, мысленно закончить которую фотограф предлагает зрителю. До 23 февраля такую возможность даёт Центр фотографии имени братьев Люмьер.

 

 

New New Testament

A little about the second part of «The Young Pope» series

Время чтения: 4 минуты
The second season of «The Young Pope» was released this winter. After the success of the first part of the series about the Vatican intrigues (in Italy, the premiere of the first two episodes scored the highest rating in the entire history of the pay TV network Sky, even overtaking Game of Thrones), expectations from Paolo Sorrentino’s «The New Pope» were really high. Read about how this continuation turned out in this very article.
The Paolo Sorrentino's series is back: now we have two popes
The Paolo Sorrentino’s series is back: now we have two popes

«The New Pope» turned out to be largely unlike the «Young» — but this is only at first glance. The viewer focus has shifted from Lenny Belardo (Jude Law) to Sir John Brannox (John Malkovich). If Pius XIII manifested himself in the affairs of the Church as a tough and unshakable conservative, then John Paul III, with his romantic nature, chooses a moderate development path. They are like two poles, promising Catholics from all over the world absolutely different options for the future.

I love God because it is so painful to love human beings (c) Lenny Belardo
I love God because it is so painful to love human beings (c) Lenny Belardo

It is important that Sorrentino does not force the viewer to make a choice between the popes: he makes them both imperfect and make us believe that they are just ordinary people, not gods. In this way, Belardo and Brannox are similar: they have drawbacks. Both pontiffs have the same sore spots: loneliness, doubts about themselves and their abilities, childhood traumas, fear of love. In the end, all this leads them to a common dream — both popes want to be forgotten.

The immense imperfection of the world makes Sir John Brannox cry
The immense imperfection of the world makes Sir John Brannox cry

In «The New Pope» Sorrentino continues to explore the eternal problems that he has already raised in the first season. As for philosophical questions, here are the relations of the believers and God, trust in miracles, the search for a prepared place in life; as for essential ones — the problem of fathers and children, cruelty, war, fanaticism, as well as the perception of homosexuality. In the new season, the topic of terrorism is also added to this list. Exactly this theme (even to a greater extent than the struggle for power) became the basis of the conflict between the two popes in the last episode: each of them sees his own way out of the emergency situation.

Goodness, unless it’s combined with imagination, runs the risk of being mere exhibitionism
Goodness, unless it’s combined with imagination, runs the risk of being mere exhibitionism

Withdrawal of the Law’s hero to the background is compensated by a detailed disclosure of characters which were secondary in the first part. Marketer of the Holy See Sofia Dubois, Cardinal Mario Assente, young nuns are no longer observers: in «The New Pope» passions are gathering around them too. Now these characters play a role not only in revealing the characters of the popes. Their personal stories, which splashes onto the screen in different forms of expression, worth particular interest.

Do not forget: everyone has vices in the walls of the Vatican
Do not forget: everyone has vices in the walls of the Vatican

«The New Pope» is filmed with Paolo’s inherent love of visual cultural codes and aesthetics. However, the aesthetics of the second season is significantly different from the aesthetics of the first. Sure, there are still many works of art, and the sophistication of the outfits exclusively prepared by Giorgio Armani leads to a viewer’s delight. Nevertheless, «The New Pope» turned out to be more defiant than the «Young»: it has a lot of physicality and frankness, which is now not only sensual, but also noticeable to the eye. Dancing of half-naked nuns at the neon cross and Jude’s passage in dazzling white swimming trunks along the beach are good examples. Probably, the «bodily» beauty of Pius XIII, deliberately expressed in this season, can be regarded as a veneration of him as a pagan idol, to the rank of which he was raised by fanatics. You can interpret this directorial decision as a desire to return in his narrative to the origins of religion — the moment when the spiritual rigor dictated by Christianity has not arrived yet. At the same time, it can be considered to be just an experiment with a visual series: in one of the interviews, Sorrentino admitted that many images come to him simply subconsciously and do not carry a special semantic load.

Some people were charmed by the new screen saver, while others others were outraged
Some people were charmed by the new screen saver, while the others were outraged

All in all, the series introduces us to religion through beauty (including bodily). It is specially made so to entice viewers to think about religion, faith, God and … about man himself. «The New Pope» provocatively hits us in the most vulnerable places. Through quite obvious claims to the universe, he brings our consciousness to the questions to which, as we learn from Lenny in the final, there are no answers.

5 причин посмотреть сериал «Патрик Мелроуз»

Слабонервным не порекомендуешь, но всё же

Время чтения: 6 минуты

В 2018 году немецкий кинорежиссёр Эдвард Бергер презентовал мини-сериал «Патрик Мелроуз», рассказывающий о попытках одноименного героя справиться с травмами прошлого и жить достойной жизнью. Проект не вызвал однозначно восторженной оценки зрителей, тем не менее выдался необычным. О том, почему стоит уделить ему несколько вечеров — в этой статье.

1.
Нетипичная для Бенедикта Камбербэтча роль

Один из самых востребованных не только в Великобритании, но и в мире актёров в одном из интервью признавался:

«Полагаю, что моя сила — в мозгах, а не мышцах. Но меня это не смущает. Выглядеть умным очень легко. Куда сложнее умно играть. Но, из-за того что я вырос в высшем обществе и учился в одной из старейших школ мира, мне придется до конца своих дней играть асексуальных социопатов-интеллектуалов…»

Бенедикт Камбербэтч в роли Мелроуза-младшего
Бенедикт Камбербэтч в роли Мелроуза-младшего

Так вот эксцентричное амплуа Патрика — роль совершенно иная. Главный герой претендует на звание лидера по саморазрушению всеми возможными способами: алкоголь, наркотики, беспорядочные половые связи — этим список не исчерпывается. Не каждый фильм даёт возможность понаблюдать за практически полностью деморализованным Бенедиктом, танцующем в пьяном угаре.

2. Визуальная составляющая

«Патрик Мелроуз» наполнен своей эстетикой: местами яркой и сочной, как фрукты на деревьях, что растут у роскошной виллы Мелроузов, местами — депрессивной и мрачной, подчёркивающей духовную нищету отдельных персонажей (без спойлеров).

Солнечные виды создают видимость идиллии (но это только на первый взгляд)
Солнечные виды создают видимость идиллии (но это только на первый взгляд)

Детально проработанные интерьеры дополняют стиль воссозданного времени. То же касается и выбора самих локаций для съёмок (чего стоят одни пейзажи французской провинции) и костюмы героев: вместе они создают гармоничную картинку, на которую особенно приятно смотреть при естественном тёплом свете.

Светило солнце. А что ему ещё оставалось делать? (с) Патрик Мелроуз
Светило солнце. А что ему ещё оставалось делать? Патрик Мелроуз

3. Звуки музыки

Музыкальное сопровождение этой истории также не оставляет равнодушным. Атмосфера ретро здесь не только в картинке, но и в саундтреках. Пилотный эпизод, к примеру, сопровождается песней Кэта Стивенса «Wild world», как бы подготавливающей зрителя к мысленному переносу на пару десятков лет назад. Только вот, постепенно погружаясь в детство Патрика и узнавая детали его общения с родителями, становится сложно назвать вызванное музыкой ностальгическое настроение умиротворённым.

Человек может сойти с ума из-за того, что испытывает эмоцию, которую он должен подавлять (с) Патрик Мелроуз
Человек может сойти с ума из-за того, что испытывает эмоцию, которую он должен подавлять. Патрик Мелроуз

В сериале нашлось место и для оригинальных саундтреков, эмоциональный отклик на который варьируется от беспокойства и тревожности до меланхоличности и отчуждённости.

4. Остроумная трагикомедия

История Патрика представляет собой целостную повесть не только и не столько о методах, которыми он разрушает свою «нормальную» жизнь, сколько о тех причинах, которые сделали последнюю невыносимой (в первую очередь — ментально). Мелроуз родился в обеспеченной семье аристократов, однако происхождение и материальный достаток не сделали его счастливым. Равнодушие со стороны матери и необоснованная, извращённая жестокость со стороны отца перевернули жизнь маленького Патрика на много лет вперёд. Отношения внутри семьи — главная тема бергеровского мини-сериала, сопричастность к которой каждый из нас может ощутить особенно остро.

Прощение важная вещь, особенно, когда прощают тебя. Патрик Мелроуз
Прощение важная вещь, особенно, когда прощают тебя. Патрик Мелроуз

С каждой серией жизнь главного героя обрастает всё более и более обезнадёживающими подробностями.  Тем не менее его история подана в интересной, местами даже по-своему забавной, сатирической манере так, что за ней хочется наблюдать до конца (пусть и психологически это бывает сложно).

5. Шанс сравнить впечатления от сериала с книгами

Сюжетной основой сериала стал цикл романов Эдварда Сент-Обина, чьё творчество высоко ценит исполнитель главной роли. Серию книг называют современной классикой, отмечая особый стиль автора с присущими ему искренностью, беспристрастностью и ироничностью. Важно заметить, что произведения о Патрик Мелроузе во многом автобиографичны: их идея была навеяна реальными событиями в жизни Сент-Обина.

 

 

 

 

 

Антон Долин об «Искусстве кино»

О том, как существует интеллектуальный журнал о кино в эпоху digital

Время чтения: 5 минуты

26 ноября в корпусе ВШЭ на Покровском бульваре состоялся public talk и небольшое интервью с Антоном Долиным — российским журналистом и кинокритиком, главным редактором «Искусства кино». Члены* студенческой организации Allbestmovies поговорили с ним о том, как печатный журнал существует во времена, когда всё больше контента концентрируется на просторах Интернета.

*автор этой статьи входит в число организаторов встречи

Антон Долин – журналист, кинокритик, теле- и радиоведущий, главный редактор журнала «Искусство кино». Программы с участием Долина идут на радиостанциях «Маяк», «Вести ФМ». В 2018 году на телеканале «ТВ-3» стартовало его авторское ток-шоу «Искусство кино».
Антон Долин – журналист, кинокритик, теле- и радиоведущий, главный редактор журнала «Искусство кино». Программы с участием Долина идут на радиостанциях «Маяк», «Вести ФМ». В 2018 году на телеканале «ТВ-3» стартовало его авторское ток-шоу «Искусство кино».

Ваша статья про фильм «Джокер» вышла на сайте раньше, чем появилась в журнале. Понятно, что сегодня полным ходом идёт цифровизация и тиражи всех журналов сокращаются. Тем более непроста ситуация с выпуском таких толстых интеллектуальных журналов, как «Искусство кино». Какова, на ваш взгляд, миссия журнала в таких условиях и какие возможности для его продвижения вы видите?

— Ну, во-первых, наш тираж растёт (смеётся). Это факт. Когда я чуть больше двух лет назад пришёл в редакцию, тираж составлял 1400 экземпляров и из него продавалось экземпляров 200, потому что всё то, что было в журнале публиковалось в журнале. Никакого особенного смысла, кроме как дружеского, покупать журнал не было — только захламлять себе полки. В связи с этим я закрыл публикацию практически всего, что загружалось на сайт и прочитать материалы, публикующиеся в журнале, можно было только приобретя его — продажи выросли. Также я привлек новых, молодых авторов: у нас нет ни одного номера, в котором не нашлось бы трёх, пятерых, десятерых дебютантов. И читатели наши в основном тоже молодые. Тираж «Искусства кино» сегодня доходит до 3000 экземпляров. У последнего номера, посвящённого «Джокеру» тираж —4000-4500 экземпляров и все они уже практически распроданы. Вообще, наши тиражи сегодня почти полностью распродаются и мы оставляем себе только около 100 экземпляров для архива.

А что касается вашего сайта и его связи с печатным изданием?

— Сайт — это, конечно, отдельное СМИ. Но мы же не можем через сайт совсем не продавать журнал и поэтому несколько важных статей обязательно публикуем там. Мою статью про «Джокера» опубликовали там не потому, что она важнее других. Просто во время выхода фильма было важно напечатать материал, так как журнал всё-таки выходит всего раз в два месяца. Опять же, никогда 100 процентов статей из журнала на сайте вы не найдёте. Но, процентов 50 там оказаться может — так у людей появляется причина купить журнал. Он недорогой — стоит около 300 рублей. Мне кажется, это приемлемая цена за триста страниц отборного интеллектуального чтива.

В каждом номере публикуется около 50 больших текстов: обзоры крупнейших фестивалей, интервью с главными кинодеятелями мира, анализ кинематографических трендов прошлого, настоящего и будущего, сценарии, кинопроза и многое другое.
В каждом номере публикуется около 50 больших текстов: обзоры крупнейших фестивалей, интервью с главными кинодеятелями мира, анализ кинематографических трендов прошлого, настоящего и будущего, сценарии, кинопроза и многое другое.

По-вашему мнению, каким образом цифровизация сказывается на популярности печатных журналов?

— Я думаю, что сегодня имеет место приостановка цифровизации: люди снова читают бумажные книги, многие тиражи, конечно, несопоставимы с теми, которые были раньше, но книжные магазины продолжают существовать и люди с удовольствием покупают там старые-добрые книги. Если посмотреть статистику это так. Поэтому мы не то что сопротивляемся всеобщей тенденции, мы эту тенденцию, напротив, поддерживаем. К тому же есть очень симпатичный парадокс: читать буквы про кино, про визуальное искусство. Наш журнал иллюстрирован только номинально, там больше текста. «Искусство кино» — это не про эстетичные картинки, как, например, «Сеанс» наших питерских друзей. У них просто другой подход — красивый альманах. Наши выпуски в сравнении с ними — утилитарные, они не столько ради красоты сделаны. Мы стараемся делать ставку на тексты, а не на визуальный ряд со всеми деталями.

«Искусство кино» — журнал о кино, который издается с января 1931 года и остается одним из старейших в мире периодических изданий о кино. Каждый номер освещает актуальные вопросы кинематографа и визуальной культуры.
«Искусство кино» издается с января 1931 года и остается одним из старейших в мире периодических изданий о кино. Каждый номер освещает актуальные вопросы кинематографа и визуальной культуры.

А что делается вами вокруг журнала? Как к нему привлекается внимание аудитории?

— Очень многое, на самом деле. Наши показы, ретроспективы, образовательные курсы, лекции, фестивали — разнообразные события, мероприятия, чтобы читатель не встречался с журналом изолированно, оставаясь с ним один на один, т. е. чтобы было много разного сопровождения. Чтобы словосочетание «Искусство кино» имело смысл для тех, кто изначально читать и вовсе не хочет, а хочет только смотреть.

Проникнуть в мир кинематографа можно не только глядя на экран
Проникнуть в мир кинематографа можно не только глядя на экран, но и листая глянцевые страницы

Как бы вы на данный момент сформулировали концепцию вашего журнала?

— Концепция «Искусства кино» сегодня — это концепция известной русской сказки «Каша из топора». Журнал — это топор. Знаете, такой тяжелый, с металлическим привкусом. Но не было бы топора — не было бы и каши. Мы будем продолжать работать, чтобы журнал был востребованным и съедобным, хотя, в общем-то топоры не едят. Это довольно парадоксальное действие, но есть большое количество людей, которым оно нравится и они с нами с удовольствием играют в эту игру. Как долго они это будут делать, сколько лет она продлится — невозможно сказать и спрогнозировать, но пока что это работает.

Последний вопрос, касающийся молодых авторов и кинокритиков: нужен ли сейчас какой-то опыт или профессиональная зрелость, чтобы говорить о кино, писать в разные издания?

— Опыт нужен, но он не обязателен — это дело наживное. Мне очень нравится публиковать материалы молодых авторов, тем более что у нас всегда есть и зрелые авторы рядом. Это делается для разнообразия взглядов, какой-то мультивекторности издания. Единственное, мы публикуем только те тексты, которые подходят по теме — у нас тематическое планирование каждого номера, все они сложены вокруг определённых топиков. Поэтому даже если мы увидим гениальный текст, но на тему, которая нас сейчас не интересует, мы его не опубликуем. Ну а вообще — пишите в редакцию, только если уж вы хотите стать автором, пришлите что-нибудь из своих статей. Очень смешно и не менее странно, но огромное количество людей обращается к нам со словами «я хочу писать для вашего журнала», а когда я прошу показать, как и что они умеют писать, люди часто отвечают «я ещё ничего пока не написал, просто скажите про что и я вам напишу» (смеётся). То есть они верят, что можно взять и написать первый в жизни текст и его сразу же опубликуют. Такое тоже, наверное, в теории может случиться, но на моей памяти такого пока не было. Всё же, чтобы работать в специализированном издании, каким бы оно ни было демократичным, надо обладать определёнными навыками письма и мышления. А так, конечно, всё в ваших руках.

В Москве показывают жизнь после смерти

На ВДНХ открылась выставка Body Worlds

Время чтения: 2 минуты

Сейчас люди уже не удивляются экспонатам музеев: в них можно увидеть самые причудливые вещи. Но Body Worlds стала исключением. Она сразу завоевала внимание общественности и стала объектом горячих споров.

Анатомическая экспозиция открыла двери для посетителей в середине марта и пройдет до 2022 года. В выставочном павильоне находятся больше сотни экспонатов. Все они — реальные люди. После смерти они пожелали пожертвовать тело науке. Теперь эти мужчины, женщины и дети — часть «Мира тела».

Один из экспонатов на ВДНХ(источник: ТАСС)
Один из экспонатов на ВДНХ (источник: ТАСС)

В этом самом «Мире» можно найти необычные экспонаты: человек, играющий в шахматы или занимающийся спортом, беременная женщина и пара во время полового акта.

Тела сохраняются в почти прижизненном состоянии благодаря пластинации — в России ее называют полимерным бальзамированием. Этот метод обработки изобрел немецкий анатом Гюнтер фон Хагенс в 70х годах прошлого века. В интервью газете «Известия» он рассказал, что придумал способ совершенно случайно. «Я спрашивал себя, рассматривая выставленные препараты, залитые полимером: почему не вводят полимер внутрь? Тогдато мне и пришла в голову идея», — поделился доктор. Новым методом пользуются ученые и врачи в сорока странах мира, в том числе и в России.

Гюнтер фон Хагенс и его жена Ангелина Уэлли в 2018 году (источник: Getty Images)
Гюнтер фон Хагенс и его жена Ангелина Уэлли в 2018 году (источник: Getty Images)

Пластинация эффективна, потому что воду в организме заменяют на смолы или силиконВ зависимости от типа анатомического объекта бальзамирование делают разными способами: например, для среза головного мозга используется пластинация полиэфирными маслами, а для распила других органов — эпоксидная смола. Этот процесс сложный: работа над одним телом занимает больше тысячи часов.

В 80-х годах доктор Хагенс основал компанию по производству оборудования для бальзамирования, а затем — Институт пластинации. В 1995 он со своей женой впервые показали забальзамированные экспонаты в столице Японии — Токио. С тех пор «Мир тела» стал самой популярной передвижной выставкой, которую посетили более 50 миллионов людей в музеях Европы, Азии и Северной Америки.

Одна из выставок Body Worlds (источник: Getty Images)
Одна из выставок Body Worlds (источник: Getty Images)

Открытие экстраординарной выставки не обошлось без скандалов. Body Worlds называют «музеем расчлененных трупов», хотя создатель, по его словам, замышлял выставку только в научных целях. Некоторые юристы считают, что она противозаконна: согласно статье 244 Уголовного кодекса РФ, экспозицию можно считать надругательством над телами умерших. Следственный комитет обещал проверить, нарушает ли «Мир тел» законодательство России. Кроме того, православная церковь не одобрила подобное развлечение и назвала его «нравственно сомнительным», а недовольные москвичи создали петицию против выставки.